Velázquez. Las Meninas.

div style="margin-bottom: 5px;"> Las meninas from gloria Ramé

Emil Nolde. 1867-1956

 

 

Autorretrato  1917.

 

Emil Hansen, conocido como Emil Nolde al tomar como apellido el nombre de la pequeña aldea donde nació en 1867.

Emil muere en 1956, tuvo una larga vida , 89 años, lo que le permitió vivir los grandes acontecimientos políticos de Alemania : La Alemania de Bismarck, la expansión colonial, la llegada de la República de Weimar , el Tercer Reich, el hundimiento del nazismo, y la división de Alemania; el desarrollo de la industrialización; la gran revolución en el pensamiento social y obrero de occidente, sin olvidar que vive las dos Guerras Mundiales.

 

¿Todos estos cambios le influyeron a la hora de expresarse artísticamente?

Es posible, pero lo que sí parece más evidente son la influencia de sus preocupaciones religiosas, su inclinación al misticismo y el sentimiento de pertenencia a la nación germánica, pese a haber nacido en la zona fronteriza entre Dinamarca y Alemania.

 

Hijo de campesinos, no sigue la profesión de su padre sino que aprende a tallar la madera y trabaja en una fábrica de muebles , por lo que podemos decir que su formación profesional fue la de un ebanista, que, después de pasar por la talla de muebles y el dibujo ornamental, dio el salto a la pintura y el grabado.

Con poco más de veinte años se instala en Karlsruhe, donde asiste a la Escuela de artes aplicadas. Recibe formación como dibujante técnico y tallador en madera.

 

En 1892 se traslada a Suiza para ocupar un puesto de profesor de dibujo en el Museo de la Industria y de Artes y Oficios de St. Gallen; enseña dibujo ornamental y realiza proyectos para la producción artesanal de muebles.

Son años felices , a Nolde le encanta estar en contacto con la naturaleza, y Suiza se lo ofrece. Aprende montañismo y será miembro del Club Suizo de Alpinismo.

 

Pinta sus primeras acuarelas de paisajes y alcanza un gran éxito con la serie en la que transforma las cumbres alpinas en gigantes con rostro humano.

 

 

Son sus postales con paisajes de montaña pintados humorísticamente. El éxito es enorme y vende en los primeros 10 días 100.000 ejemplares.

Estas personificación risueña de las montañas era toda una innovación que de inmediato emularon otros artistas.

Por primera vez aparece en la obra de Nolde una tendencia hacia lo grotesco que se reitera finalmente en sus creaciones más tardías.

 

La docencia no le gusta, aunque Nolde se siente orgulloso del status social y de la seguridad económica que le proporciona , así como la fama que tiene entre sus alumnos. Pero, en definitiva, no le gusta su actividad reglada como docente , prefiere la vida independiente del artista. Él quiere consagrarse por entero al dibujo y la pintura. Viaja a Múnich, pero no es admitido en la Academia de Arte, por lo que toma clases privadas en Dachau (Baviera).

 

En 1899, va vivir a París, y aunque tiene treinta y dos años continúa con su formación y asiste a la Académie Julian ; visita las muestras de pintura y los Museos. Sus reiteradas visitas al museo Louvre le permite estudiar a Tiziano, Rembrant y a Rubens que le influirán en el tratamiento de la luz.

En estos años estudia a Cézanne , Van Gogh y Gauguin , le gusta su utilización de los colores puros.

 

En 1901, Nolde alquila un apartamento en Berlín. En la capital alemana, observa el espectáculo de la decadente sociedad berlinesa, y la pinta.

 

 

 

 

Su obra presenta personajes vestidos con fracs negros que contrastan con los colores brillantes, las luces artificiales, y el apogeo de la nueva gran potencia alemana que quiere disputar a Londres y París la hegemonía y la gloria del mundo capitalista.

 

En 1902, sus obras son rechazadas por la Secesión de Berlín, como consecuencia de su marcado cromatismo.

 

1906 se une al grupo expresionista “Die Brücke” (El Puente) en Dresde, por invitación de Karl Schmidt Rottluff (Uno de sus miembros fundadores). Nolde , es bastante mayor que sus colegas pero estos son admiradores del color en su obra.

Emil se integra durante un tiempo en el “El Puente” , pero demasiado independiente y solitario, al cabo de algo más de un año se aparta del grupo. No obstante, a pesar de su carácter individualista, mantuvo con los componentes una relación cordial.

Abandona Dresden y se va a vivir a la isla de Alsen, pegada a la península danesa, una tierra que en ese momento es alemana, aunque volvería a ser danesa al finalizar la guerra. Esa dualidad de Alsen puede aplicarse también a Nolde: a veces, es danés, a veces es alemán, aunque acaba predominando en él lo germanismo.

 

En estos años sigue muy interesado en la pintura, pero también trabaja el grabado en madera.

 

 

"Familia"

En torno a 1910, viaja por Rusia, Japón o China. De este viaje nos deja constancia en:

 

En acuarelas y dibujos de pocos trazos del recorrido en el ferrocarril transiberiano.

Pinta rostros rusos, siberianos y japoneses que fue encontrando por el camino.

"Muchacha".  1913

Y marinas en las que pinta los juncos de los osados marineros y pescadores asiáticos.

 

 

 

"Junco" . Acuarela. China 1913

 

 

 

Interesado por la antropología y la vida primitiva viaja en 1913 a Papúa- Nueva Guinea con una expedición de oftalmólogos alemanes que iba a estudiar enfermedades de los aborígenes de la zona, por aquel entonces colonia alemana.

 

 

"Papua-Jünglin ge" 1914

Pintar a los indígenas y la unión del hombre con la naturaleza en estado primitivo, muy al estilo de lo que había hecho Gauguin. Utiliza sobretodo la técnica de la acuarela, en ellas se observa una mayor violencia expresiva del sentimiento primitivo, llegando casi a formas abstractas.

 

A su regreso, recluido en la costa báltica alemana, realiza paisajes que rememoran su exótico viaje y también marinas dominadas por nubes a base de tonos fríos e incandescentes.

 

 

 

Al contrario que muchos expresionistas , la obra de Emil Nolde no expresa el sentimiento por la situación de la guerra ni sus consecuencias, sino que al igual que cuando estaba en los Mares del Sur, su pinta en cierto modo, nos muestra una imagen idealizada, no la realidad que tiene delante, sino la que quiere ver.

 

A partir de mediados de los años veinte, Nolde se instala en Seebüll. No tardaría mucho en llegar la época nazi y, con ella, su triunfo fugaz y su desgracia. Nolde tiene 66 años cuando los nazis llegan al poder, está viejo, cansado, pero espera grandes cosas del nazismo y se  afilia al Partido Nacionalsocialista, pero pronto sufre la persecución de su política cultural contra el considerado «arte degenerado». Fue expulsado de la Academia de Arte y se descolgaron más de mil obras suyas que pertenecían a los museos alemanes.

En 1941 se le prohíbe pintar en Alemania, por lo que inicia una actividad creativa en secreto, que culmina en la serie de pequeñas acuarelas conocidas con el título de "Cuadros no pintados".

 

Nolde había dicho: “No conozco nada de política. Arte y política me parecen opuestos.”

 

Después de la guerra continúa una vida aislada en una isla del Mar del Norte, y anqué retoma el gran formato sigue pintando acuarelas, con paisajes de su tierra, una de sus principales inspiraciones, hasta su muerte en 1956.

 

 

«Desde el carácter íntimo pero quizá demasiado minucioso de mis acuarelas tempranas luché por conseguir una representación más libre, más vasta y fluida, que exige una profunda comprensión de la estructura y la naturaleza del papel y las posibilidades de los colores, pero sobre todo la capacidad de adaptación sensorial del ojo».

Considerado como uno de los grandes precursores y representantes del expresionismo alemán por su aplicación violenta del color y la distorsión de las figuras, lo que realmente lo define fue su marcado individualismo y su afán por mantenerse al margen de doctrinas y estilos que marcasen su forma de pintar.

Si repasamos sus obras observamos:

 

Que aborda una gran cantidad de temas :

 

Tema Religioso, teniendo la biblia como fuente de inspiración.

 

 

Son obras que llaman la atención por el estallido de colores, las simplificación y estilización de las figuras, y el modelado tosco de los personajes con un deliberado primitivismo.

 

Emil Nolde se declara profundamente religioso, y las escenas las pinta con la intención de que sean colgadas en una iglesia, pero fueron rechazadas repetidamente.

 

La iglesia fue la primera en clamar contra él y su obra. Sus cuadros se consideraban conflictivos.

 

 

De las escenas evangélicas, la critica nos dice que son obras llenas de sinceridad religiosa pero de calidad (materiales, color, factura) discutible.

 

"Danza alrededor del becerro de oro".  1910.  Óleo sobre lienzo

Como observamos en " Danza alrededor el becerro de oro", muchas de estas obras religiosas están cargada de contenido erótico, lo que hizo que los nazis le incluyeran en su famosa lista de “artista degenerado” y le prohibieran pintar.

Otro de los temas que centra desde un principio la pintura de Nolde es en la danza.

 

“La danza ocupa un lugar importante a lo largo de toda la obra de Nolde”, afirma el historiador de arte Manfred Reuther.

 

Su interés está más bien en captar lo que la danza tiene de baile libre, natural y popular, y no tanto en la danza convencional de salón o de sociedad, que también la plasmo en sus obras, sobretodo litográficas.

 

“Bailarinas entre candelas”, 1912

 

 

Tingel-Tangel (Café danzante) III, 1907

La serie “Tingel-Tangel” son litografías con el tema de cabaret, café-teatro, café-danzante, realizadas en 1907 en las que plasma sus impresiones de los bailes populares de comienzos del siglo XX.

 

 

“Durante muchas veladas dibujé en la sala de baile. La primera vez me salió mal, no es fácil, ahora sin embargo tengo muchas hojas, con muchas personas bailando realmente y me parece como si estuviera percibiendo el polvo que levantan del suelo y oír cómo suena la música”, escribía Nolde a su amigo, el jurista suizo Hans Fehr.

 

También le intereso recoger momentos de la vida cotidiana en la ciudad, teatros y bares. Esencialmente durante la época en la que residió en la capital alemana, donde participó de la vida nocturna berlinesa.

 

El café 1911

 

Emil Nolde fue un gran amante de los jardines y cultivador de flores en las que se inspiro para pintar sus acuarelas y óleos.

 

 

"Gladiolos"  1907    Óleo sobre lienzo.

Preciosos son sus girasoles pintados al óleo del Museo Thyssen-Bornemisza y que nos recuerdan mucho a los pintador por Van Gogh.

 

 

 

"En esta pintura Nolde nos ofrece una visión frontal de algo más de media docena de girasoles de colorido exuberante, concentrándose en sus pétalos, pistilos y hojas, sin hacer ninguna referencia al suelo o al tiesto en el que crecían. Al mismo tiempo, con su leve inclinación, quiere darnos a entender que pronto perderán su fuerza y comenzarán a doblarse por el peso de las pipas hasta que ya no sean capaces de sustentarlas. A través de la representación de flores como éstas, Nolde intenta transmitir sus propias emociones: «Adoro a las flores y su destino, crecen rápidamente, echan flores, rebosan, resplandecen, muestran su alegría, se comban, se marchitan y mueren» ".

 

 

"Pensamientos". 1944   óleo sobre lienzo.

 

 

 

 

En estas series de paisajes de jardín y flores nos recuerda a los pintores postimpresionistas franceses, a los que tanto estudio en sus años parisinos , y nos los recuerda por la utilización de pinceladas gruesas y empastadas, el color intenso y brillaste ....

 

Mujer con flores.

La figura femenina es un tema controvertido en obra de Nodel . La vemos como madre y protectora, pero también presenta a la mujer en un estado más libre y haciendo resaltar su sexualidad. Contrapone la imagen de la mujer-madre-virtuosa con la de la mujer-libre-vampira.

 

 

Mujeres bailando con faldas verdes. Acuarela sobre papel japonés

 

También presenta la mujer joven frente al hombre maduro.

 

 

El entusiasta.

 

 

"Me encanta coquetear" (azul-violeta y verde) acuarela, lápiz y tinta sobre papel japonés.

 

Sus mujeres son esposas, madres, musas, modelos, artistas de teatro de variedades, ángeles, demonios, santas, pecadoras, seducidas y apasionadas seductoras, de cuyas personalidades, sin embargo, "mucho continúa siendo incomprensible" para el artista, según él mismo confiesa en uno de sus escritos.

 

 

"Pareja en azul". Acuarela y témpera, pluma y tinta sobre papel japonés .

 

 

Naturaleza muerta con bailarinas

 

"Un lienzo que nos desvela bastante los conflictos con la mujer, además de ser muy representativo de su factura es “Naturaleza muerta con bailarinas”. Este óleo nos presenta una escena doméstica con unas imágenes exóticas. En primer plano, la escena que podemos calificar de doméstica nos sería representada por unos jarrones y una salsera. Al fondo y en colores que recuerdan a la tierra, aparece un cuadro con unas mujeres que muestran sus pechos. Sin duda son nativas de alguno de los países que el visitó. Hablan sus biógrafos de la incomodidad que sentía el pintor en el trato con las mujeres. Esto podría ser el motivo por el que las mujeres, muy sensuales, aparecen a una cierta “distancia”, un tanto anónimas y además dentro de un límite que sería el otro cuadro."

PAISAJES.

Le interesa y pinta paisajes costeros, marinas inspiradas en las costas de Alemania y Dinamarca o lagos en medio de las montañas , como el lago de Ginebra y el de los Cuatro Cantones etc..

Al contemplar estos temas se ve que le interesan mucho los reflejos en el agua, los efectos de luz y sombra bajo el sol.

 

 

"Litoral con cielo rojo". Acuarela sobre papel Japoné

Intenta captar los cambios de tonalidad a lo largo del día y bajo diferentes formaciones nubosas.

Así creó varias series de acuarelas tituladas Lago de montaña, unas con reflejos de nubes violetas y marrones; otras con azul, amarillo y verde; y otras más con violeta y amarillo.

 

 

Mar oscuro (cielo verde) Acuarela sobre papel japonés.

Los paisajes marinos, a veces encendidos, a veces tenebrosos, muestran su intimidad con la naturaleza y el mar.

 

 

"Anochecer luminoso" . Acuarela sobre papel Japonés

Encontraremos acuarelas con siluetas de montañas que parecen representaciones del mar agitado, batido. Y a la inversa, algunos paisajes marinos con sus grandes olas, parecen evocar las formaciones de la alta montaña.

 

 

 

Para Nolde ambos paisajes desembocan en un lenguaje pictórico dramático y en una naturaleza intensa, violenta.

 

"Atardecer de otoño" 1924. Óleo sobre lienzo

 

 

Las acuarelas están realizadas sobre papel Japonés.

 

El papel Japonés lo comienza a utilizar, para pintar a la acuarela, en 1910.

 

Se denomina papel japonés a un soporte fabricado a mano, en distintos tamaños y gramajes, todos ellos de gran calidad para el trabajo artístico. Su origen está en la China de la dinastía Han. Desde el siglo VIII se fabrico también en Japón, a Europa llega en el siglo XVII, introducido por los mercaderes holandeses.

 

 

  MASCARAS

 

 

 

 

 

No podemos olvidar sus máscaras, temática que inicia a partir de un viaje a Ostende, donde conoce la obra J. Ensor. Son de un colorido brillante, pero agresivo y disonante, siempre muy empastado.

 

 

Tras analizar los temas, podríamos decir que algunas de sus etapas artísticas son muy precisas e  identificables:

 

Las pinturas surgidas durante su viaje a los Mares del Sur.

 

 

 

Las que pintó en el Berlín anterior a la gran guerra, documentando los cabarets, como hizo Toulouse-Lautrec en el París.

 

 

 

Sus obras sobre cuestiones religiosas, tan obsesivas.

 

 

 

Las marinas, tan pertinentes en un hombre nacido en una pequeña península, cerca del mar. En su tierra natal pintó los canales y el Mar del Norte; campesinos y pescadores daneses.

 

 

 

Su estilo, asimismo, puede decirse que fue una mezcla de Vincent Van Gogh, Edvard Munch y Paul Gauguin; en el que pasión y misticismo eran la seña de identidad.
 

Como a Gauguin, le interesa representar lo autentico, y lo intenta encontrar en la naturaleza y en la vida primitiva, como puede verse en las obras que pintó durante ese periplo por el Pacífico. Antes de de su viaje a Papúa, había descubierto, en el Museo etnográfico berlinés, el arte primitivo, interesándose por objetos africanos, coreanos, chinos.

TECNICAS.

Domino la técnica de la acuarela, técnica de factura libre y propia. Quizás le gustaba tanto por la espontaneidad y la libertad que da al pintor.

Su autentico medio de expresión es el color, con el que plasma gráficamente tanto sus sentimientos como sus observaciones . La técnica de la acuarela le favorecía su concepción artística.

 

Domino la técnica  del óleo, que pinta con maestría  como dicen sus críticos:

 

"Con una pincelada muy suelta y expresiva sigue el curso de esa acción de la naturaleza: arrastra y superpone la pasta de color en las nubes, en la hierba, en el agua y en los juncos, como actuando con el viento y con las corrientes que recrea. Las múltiples direcciones del trazo buscan esa afinidad con lo incontrolado de la dinámica de los elementos. «Naturaleza en el arte significa la más enérgica, vitalizadora, floreciente fuerza de la naturaleza», escribiría el pintor."

 

"Pensemos, por ejemplo, en la forma en la que peina las manchas de color y superpone y mezcla los pigmentos: realiza mezclas sobre el mismo lienzo, imitando con el pincel el impulso del viento o el arrastre del agua. Resultan de estas mezclas irisaciones, brillos, matices precisos y también tonos sucios, porque ha dejado un margen de actuación al azar intencional, a cuyo concepto se corresponde el deseo expresado por el pintor de «colaboración con la naturaleza»."

LITOGRAFIAS:

 

 

Pareja joven. 1913

 

 

 

Tingel-Tangel II (Tingel-Tangel II) Litografía 1907 Grabados: Aguafuerte.

 

 

Hamburgen Hafen, aguafuerte, (1910)

"Hamburgen Hafen muestra una impresionante colección de xilografías y aguafuertes fechadas en 1910 con el puerto hamburgués como protagonista, donde las luces y las sombras, magistralmente economizadas por el artista, desvelan una de las vertientes más celebradas del arte de Nolde, profundo amante de su tierra natal, a la que representa con excepcional conocimiento, visible asimismo en el último bloque de obras sobre papel, Städte und Landschaften, donde el país y sus ciudades se analizan de una forma pseudoabstracta, a tenor de la visión de sus almiares o de riberas como Herbslandschaft (1926). Trabajó el aguafuerte, agua tinta y punta seca. "

 

"Adiós" . 1906     Aguafuerte, Aguatinta y punta seca

También leemos  :  Los grabados en madera expresionistas de Nolde son negros, ásperos, deliberadamente “feos”, y las pinturas de 1906 y 1907, con jardines, denotan un abuso del color, un caos abigarrado que confunde objetos y personas para fundirlo todo en una orgía cromática.

 

 

El Profeta

 

EL COLOR

 

Los colores violentos, el primitivismo, son rasgos que le unen a otros expresionistas de principios de siglo, aunque no por ello deja de ser un solitario.

 

 

Por último decir que su especial carácter hace de Nolde un personaje atípico y le hace aparecer como una persona contradictoria. Se sintió artista marginado pero los museos alemanes compraron su obra. Cercano en un principio al nazismo, fue más tarde perseguido por él. Le tacharon de extremadamente religioso y la iglesia le trató de anticlerical. Pero muchas de sus controversias surgieron en ocasiones, sin que el mismo se lo propusiera. Es decir, no todas fueron fruto de ese ánimo provocador que le hacía declararse rebelde y asocial y que hicieron de él un pintor incomprendido y un mito.

Kazimir Malévich. 1878-1935

Kasimir Severinovitc Malévitch, representante del Suprematismo, una de las principales corrientes que defiende la abstracción geométrica en la Rusia del primer tercio del siglo XX.  Nace en Kiev en 1878, y es hijo de polacos deportados a Rusia.

 

 

 

Antes de continuar recordemos brevemente que es el Suprematismo y que lo define.

El Suprematismo es un movimiento artístico que deriva del Cubismo, está muy relacionado con el Neoplatonismo y con alguno de los principios de Kandinsky.

Se desarrolla en  Rusia en torno a Kasimir Malevich de 1915 a 1923, y trata de presentarse como un movimiento paralelo al Constructivismo. Esta dentro de la corriente del arte no figurativo y de la abstracción moderna.

Rechaza toda definición convencional del arte, a cambio de una exploración artística que se expresaría a través de la abstracción geométrica como un reflejo de la pura sensibilidad.

La sensibilidad se convierte pues en vehículo decisivo para la formulación final de la abstracción moderna, pues hace uso de las formas geométricas que se consideran "absolutas" como son el círculo, el cuadrado, el triángulo, y con frecuencia con pintura monocroma.

En el "Manifiesto" publicado en 1913, se define como "la supremacía del puro sentimiento" ajena a cualquier fenómeno de la naturaleza, independiente del medio de donde procede. Malevich afirmaba que el mundo exterior no era útil para el artista.

Emplea colores planos muy contractados , generalmente primarios y también gamas intermedias, blanco y el negro.

Los fondos neutros, son generalmente blancos.

El punto de fuga no se ubica sobre la línea del horizonte, sino sobre el infinito.

La composición nos da sensación de movimiento y velocidad.

Malévich desde niño admira el mundo campesino, y se interesa por la pintura, asiste a clases de pintura en Kiev y en Moscú, donde en 1910 Mijaíl Lariónov le invitó a participar en la exposición Sota de Diamantes.

También se une para exponer , a la Unión de la Juventud de San Petersburgo y El Rabo del Asno , y aquí se relaciona con los grandes de la vanguardia rusa: Tatlin, Stepanova, Chagall, los hermanos Burliuk.

 

Durante estos años el arte de Malévich evoluciona desde una estética próxima impresionismo , siendo su objetivo la representación fiel de la naturaleza, a interesarse a partir de 1908 por el fauvismo, el cubismo, el expresionismo y el futurismo.

 

 

'Bathers seen from behind', 1908-1909.

Collection Stedelijk Museum Khardzhiev-Chaga.

 

 

'Bañista', 1911.

 Collection Stedelijk Museum Ámsterdam.

 

 

'El le ñador', 1912.

 Collection Stedelijk Museum Ámsterdam.

Malevich ya comienza a reducir los objetos a formas geométricas, y como Cezzane, reduce la naturaleza al cono , el cubo, y la esfera.

 

En esta época (1912 y 1913) el problema de la geometrización es lo que más preocupa a Malevich, que descubre que cuanto más geométrica se vuelven sus obras, es más abstractas y son mucho mejores.

Esta geometrización cada vez se hace más notoria, tan solo hace falta ver y analizar la obra "Campesina con cubos y niño 1912"

 

 

y la compararla con, La mujer de los cubos. Descomposición dinámica de “campesina con cubos” 1912.

 

 

 

En esta ultima vemos que la composición de la primera es ahora el pretexto para la organización de las formas donde las siluetas desaparecen.

 

 

En diciembre de 1915 se organiza por artistas de Moscú y Petrogrado la exposición simbólicamente titulado 0.10.   Malévich expone su Cuadrado negro, que se convirtió en el símbolo, y el elemento básico del arte del Suprematismo.

Coincidiendo con el título de la exposición Malevich publica el folleto " Del Cubismo al Suprematismo". en el que se podía leer: «El artista se ha desembarazado de todo lo que determinaba la estructura objetivo-ideal de la vida y del “arte”: se ha liberado de las ideas, los conceptos y las representaciones, para escuchar solamente la pura sensibilidad» .

 

Para algunos autores fue un acto de rebeldía hacia el entorno académico ruso , donde el arte figurativo era la norma.

El trabajo que más llamó la atención fue Cuadrado negro.

 

 

 

“Cuadrado Negro”.

Moscú, Galería Estatal Tretiakov

Observamos un cuadro pintado al oleo de manera uniforme en un tono monótono negro, sin ningún tipo de golpes pastosos sobre fondo blanco. Es por tanto una obra sencilla y sobria pero no por ello ausente de complejidad, puesto que tras la apabullante serenidad de la forma geométrica, la cual parece retarnos con su quietud al mirarla, se esconde toda la tradición del pensamiento occidental.

 

La elección de la forma cuadrada no es fruto del azar ya que, por tradición, junto con el círculo, esta es la representación de la perfección matemática, la forma cero.

 

El cuadro ocupo en la exposición un lugar especial: la esquina de la sala, como vemos en la fotografía.

 

 

 

Las esquinas son el lugar tradicionalmente destinado a los iconos religiosos.

La relación entre el significado del icono y el Cuadrado negro sobre fondo blanco parece, pues, una referencia al interés que mostro en una de sus etapas por el estudio de los iconos.

 

Desde entonces, el cuadrado, manifiesto visual del suprematismo, ha dividido a los críticos. Para Bart Rutten conservador de Arte Visual del museo Stedelijk, de Ámsterdam “resulta imposible entender el arte moderno sin esa figura geométrica” Pero también tiene muchos detractores, es famosa la frase del presidente ruso Putin, “solo pudo ser pintada fuera de Rusia”.

 

Malevich escribió más tarde que el Suprematismo puede ser dividido en tres etapas, en correspondencia con sus tres cuadrados – negro, rojo y blanco.

 

 

 

Cuadrado rojo. Realismo pictórico de una campesina en dos dimensiones Oleo sobre tela 1915.

  Museo del Estado Ruso de San Petersburgo

 

 

En esta obra el cuadrado rojo parece saltar del fondo blanco, no es una forma rígida, y posee una inmediatez que emerge del blanco con agresividad. Sus ángulos palpitan hacia fuera y la superficie roja que nos parece irregular, como una masa hirviendo a borbotones.

 

El título de la obras "Campesina en dos dimensiones" hace referencia al nuevo concepto de realismo de Malevich que busca formas pictóricas para la nueva figuración no objetiva.

Este cuadro se cree que fue concebido como el arquetipo de los cambios que el orden internacional estaba experimentando. En 1915 la guerra, las huelgas generales y las revueltas forman parte del día a día de Rusia. La Primera Guerra Mundial acompañada de la ofensiva alemana del Báltico amenazaban Rusia. En estas circunstancias en Cuadro rojo representaba el mundo de este lado, era "la señal de la revolución", una premonición artística de la Revolución de Octubre de 1917.

 

Poco a poco el proceso de reducción de elementos pictóricos en sus composiciones fue acentuándose hasta llegar a las series de Blanco sobre blanco de 1917-1918

 

Óleo sobre lienzo. Museo de Arte Moderno, Nueva York.

En 1918, apareció un pequeño cuadro de 80×80 cm que cambió la historia de la pintura Occidental, y que sería el máximo aporte a la misma por parte de Malévich: “Cuadro blanco sobre blanco, donde atraviesa los límites del color definitivamente.

 

“He emergido en el blanco. Naden junto a mí, camaradas pilotos, en este infinito. He establecido el semáforo del suprematismo. ¡Naden! El blanco mar libre, el infinito, está delante de ustedes” dijo el propio Malevich.

Hay varios elementos que se deben tomar en cuenta en esta obra, el concepto del tratamiento de la superficie totalmente plana, en la que se trabaja el área total de lienzo.
El límite real de la composición se establece con las dimensiones del lienzo.

"Elementos que están en el mismo plano que el fondo, de manera que no existe tal dicotomía, el proyecto se trabaja sobre una superficie única, sin profundidades. Es una obra mística en la que el autor, por medio del color blanco, busca ahondar en la problemática de la nada y su infinitud. La idea del vacío y del desierto tan relevante en la conciencia suprematista. Se trata de una Nada Heraclitiana que fluye en el devenir espacio-temporal de una superficie-plano relativista sin arriba ni abajo, ni fondo ni perspectiva u objetos que den sensación de profundidad, haciendo de sus puntos un todo nadificado"

Frete a la critica Malevich defiende su cuadrado argumentando que no está vacío, estaba lleno de la inobjetividad, estaba lleno de sentido.

 

A estas obras que parecen no tener significado, simplemente ser, Malevich le propone signos: el cuadrado rojo como signo revolucionario, la cruz negra como signo de propia muerte, el cuadrado negro como la bandera anarquista, ya que esa inobjetividad de la que gozan sus obras les da esta posibilidad.

 

La intención de Malevich parce ser la de una reinterpretación del mundo sin objetos, donde el artista y el espectador son los que deben darle un sentido al cuadro que aunque pareciera, está lleno de sentido, de sentimiento.

No podemos dejar sin mencionar que Malevich tiene dos momentos suprematistas:

 

EL primero es el suprematismo estático, al cual pertenecen Cuadrado negro (1915), Cuadrado Rojo (1915), Suprematismo con triangulo azul y cuadrado negro (1915).

 

El segundo estado, llamado cósmico o dinámico se da gracias al interés que Malevich venía desarrollando por el cosmos y la infinitud, al cual pertenecen Ocho rectángulos (1915), Aeroplano en vuelo (1915);

 

 

Ocho rectángulos (1915 )

 

 

Aeroplano en vuelo (1915)

 

En ellos el cuadrado se descompone en otros elementos, para formar una composición que parece estar “flotando” en el lienzo.

Este nuevo estado de “flote” es fundamental para el suprematismo, ya que Malevich toma el vuelo de un pájaro como el momento esencial de la toma de conciencia suprematista, y explica así como los objetos se liberan de la gravedad.

Los conceptos de lo inobjetivo, la cuarta dimensión y la relatividad espacial, que se desarrolló en el suprematismo dinámico, se funden en obras mucho más complejas que las anteriores, con más formas y colores, todo esto por el interés que despertaba en Malevich lo celeste y lo espacial. Ejemplos de esto son Suprematismos de 1915, o Masas pictóricas de movimiento de 1916.

 

 

 

La trayectoria de Malévich es inseparable de la historia de Rusia, ferviente defensor de la Revolución de 1917, a la que apoya porque le parece que abre un mundo nuevo.

 

Tras la Revolución, Malévich se convierte en un activo miembro de los comités artísticos revolucionarios y participa en los actos de celebración del primer aniversario de la Revolución.

 

Durante estos años produjo numerosos diseños suprematistas para carteles de propaganda, escenografías teatrales o proyectos arquitectónicos.

 

 

Dibujos suprematistas. 1919

Esta pequeña obra en la que esboza una serie de dibujos suprematistas , perteneció a Anna Leporskaia, una alumna de Malévich , ha sido fechada por John Bowlt y Nicoletta Misler hacia 1919 por su relación con una litografía del álbum Suprematismo, publicado en 1920 .

En 1919 abandona la pintura para dedicarse a la enseñanza y a la escritura, buscando difundir sus ideas sobre el arte y acepta un puesto de profesor en la Escuela Nacional de Artes Aplicadas de Vitebsk que dirigía Marc Chagall.

Durante los años siguientes, Malévich se centró en la docencia, en sus escritos sobre arte y en la creación del grupo Unovis (Los Heraldos del Nuevo Arte).
Tras ser cesado en Vitebsk en 1922, se estableció con algunos estudiantes en Petrogrado , donde trabajó en el Museo de Cultura Artística, que a partir de 1923 se llamó Instituto de Cultura Artística (Injuk) siendo nombrado director del Instituto Malévich .
 El trabajo del instituto se expuso primero en Rusia y después en otros países como Alemania, donde visitó la Bauhaus.
A la llegada de Stalin al poder en 1924. El artista sufrió la opresión del régimen. Pero será a partir 1930 cuando comienza a tener problemas con las autoridades públicas soviéticas por sus contactos con artistas alemanes, es arrestado, aunque puesto en libertad poco después.

 

 

Autorretrato 1933

 

Al final de su vida regresó a la figuración, si bien se supone que algunas de sus obras no figurativas de esta época fueron datadas en fechas anteriores por él mismo para eludir posibles problemas con la clase dirigente.