Roy Lichtenstein pintor, artista gráfico y escultor nace en Nueva York en una familia acomodada de origen judío alemán.
Era tímido, callado y reflexivo, y se dice que tras décadas de fama se sorprendía cuando sus obras se vendía
.
Desde niño muestra facilidad para el dibujo, le gustan las ciencias naturales y los trabajos manuales; a menudo visita el Museo de Historia Natural con su madre. También construye numerosas maquetas de aviones.
Su interés por el dibujo le lleva, en el verano de 1939, a matricularse en la Art Students League de Nueva York, donde tiene como profesor a Reginald Marsh.
Reginald Marsh (1898 - 1954) es un pintor estadounidense, nacido en París, su estilo se puede definir como realismo social, los temas de sus obras tratan de la vida en la ciudad de Nueva York en los años 1920 y 1930.
Reginald Marsh
Las clases a Roy apenas le interesan, los profesores ponen más empeño en la utilización de las técnicas pictóricas que en el proceso creativo.
De 1940-1943 estudia Bellas Artes en la Universidad Estatal de Ohio en Columbus. Tiene como profesor a Hoyt L. Sherman
En sus obras de esta época encontramos retratos y naturalezas muertas muy al estilo de Picasso y Braque; realiza una copia de "Retrato de Gertrude Stein" (1906).
Interrumpe los estudios, de 1943-45, al ser reclutado por el ejército de los Estados Unidos para participar en la Segunda Guerra mundial.
Licenciado del el ejército, regresa a Ohio, termina la licenciatura y entra en el programa de posgrado en la Ohio State donde , más tarde, será contratado como profesor; cargo que desempeña de manera intermitente durante diez años. En estas clases pide a los alumnos que dibujen sobre papel de periódico, utilizando grandes bloques de carboncillo o ceras, objetos iluminados fugazmente, tal y como aprendió de su maestro Sherman.
Entre sus trabajos de esta época se encuentran unas esculturas de estilo precolombino, algunas talladas en piedra y otras realizadas en terracota o cerámica.
En 1950 la universidad ya no le contrata y él y su mujer Isabel se mudan a Cleveland. Ella triunfa como interiorista y él dibuja, diseña muebles, piezas mecánicas, decora escaparates… Por primera vez trabajaba con fines comerciales y entra en contacto con los objetos mundanos. En sus obras comienza a introducir contadores, válvulas, termómetros y otras piezas ajenas a los motivos canónicos.
Estudio de la obra:
La obra de Roy Lichtenstein oscila entre la abstracción y la figuración.
Sus primeros trabajos están determinados por el expresionismo abstracto, pero después de 1957 comienza a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas, mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Lejano Oeste .
A partir de 1961 se dedica por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva en los que incluía personajes de Disney como Mickey, Donald o Buggs Bunny, pero en 1962 cambia su estilo para dotar a su obra de una nueva definición, mostrándose como una de las principales figuras del Pop Art.
Hagamos un paréntesis y recordemos brevemente ¿ Que es el Pop Art?
Es un movimiento urbano, que nace a mediados de los 50, y que se da en las ciudades más importantes del panorama artístico durante la segunda mitad del siglo XX: Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Londres, París, Düsseldorf, Roma, Milán ...
Pretende ser reflejo de la cultura de masa. De ella toma los temas, su vocabulario, sus iconos, sus recursos plásticos e incluso sus medios de difusión, convirtiendo la saturación de información y los estímulos visuales que nos asaltan a diario en el principal motor de sus trabajos.
El Pop surge como un revulsivo al arte tradicional en su sentido más amplio (enseñanza, noción de artista, autoría e incluso la obra única) y también al expresionismo abstracto y el arte informal.
Las técnicas que utiliza son serigrafía, el collage o el empleo de imágenes ya existentes que modifica o procesa.
Como representantes podemos destacar a Hamilton, AndyWalhol y Roy Lichtenstein.
Tras el paréntesis, decir que Lichtenstein como Warhol o Rauschenberg, también se interesa por los medios de comunicación, tomando las imágenes del cómic como punto de partida para mostrar la vida mecanizada de la sociedad.
También se interesa por reproducir obras maestras del pasado.
Interpretación de la obra del periodo griego helenístico " Laocoonte y sus hijos
Famoso por su aproximación irónica a la historia del arte, es en realidad un admirador de los grandes maestros del siglo XX, pero su estilo frío, cerebral y sofisticado se había desgajado de la mística de la pintura, creando un estilo francamente inconfundible.
En ese espíritu realizó en los 70 la serie sobre el estudio del artista, inspirada en el Estudio Rojo y el Estudio Rosa de Matisse.
La influencia más grande que se ve en sus obras es la de Picasso, de quien aprende sobre la forma y la composición, no se puede separar de la obra de Lichtenstein el conocimiento analítico de la forma que absorbe del cubismo.
Al analizar sus obras se observa el paso desde la pincelada emocional y espontánea de su juventud, a la simulación de los mecanismos industriales que producirian un estilo de arte diferente que no dejaria huella, seria anónima. Para ello empleaba imágenes tomadas de revistas y libros a través de una técnica de impresión tipográfica. Al principio, copiaba, con pequeños pero significativos cambios, reproducciones de trabajos tomadas de fuentes impresas, las proyectaba en una pantalla gigante sin ninguna clase de claroscuro y así las pintaba. Lo de la huella anónima no lo consiguió. Es imposible no reconocer inmediatamente una obra suya.
También señalar que el ingenio y la sutileza técnica de su trabajo como grabador, en combinación con su exquisito dibujo lineal, contribuyó en gran medida a su creciente reputación.
Lichtenstein fue el primer artista, mucho antes que Andy Warhol, que desarrolló una teoría estética que proponía transformar una copia en una obra original.
" Su viuda, Dorothy, aclara que a su marido nunca le gustó especialmente el cómic de niño. Y tampoco la etiqueta de pop. «No era un fan del cómic ni de los dibujos animados, lo que le atraía era la naturaleza del dibujo -lo más alejado de una pintura artística que puedes imaginar- y la posibilidad de transformarlo en una pintura formal con apenas unos cambios menores".
Recorrido por algunas de sus obras:
"Look Mickey" (1961)
Fue la primera pintura en la que se alejó por completo del expresionismo abstracto y el inicio del Lichtenstein pop
Öleo sobre lienzo
La obra muestra a Pato Donald y Mickey Mouse pescando en una escena que el artista cogió de un libro ilustrado sobre personajes de Disney que leía a sus hijos.
Un imperfecto pato Donald hablando al ratón Mickey de trazos dubitativos, provoca en el artista un deseo de ruptura con todo lo que había pintado antes y será
precursor de un estilo que trato temas banales y adoptó los métodos de reproducción mecanizada: las tramas de puntos utilizadas en la imprenta, los colores básicos de la paleta en su versión más estridente y tan comunes en los anuncios comerciales de la época, los gruesos contornos que suelen delinear las clásicas figuras del cómic.
¿ Cómo nos dicen que lo realizaba?
En las primeras obras los pinta a mano, pero después adopta un sistema de plantillas.
A partir de un dibujo dado, de un cómic, hace un boceto con las formas básicas y los colores, lo traslada con un proyector sobre un lienzo de gran tamaño y, una vez allí, utilizando las tintas de la imprenta, la cuatricromía de amarillo, rojo, azul y negro sobre blanco, hace primero los puntos, después las zonas de color y, por último, los contornos, con un ayudante, como hacían los clásicos.
"Drowning girl"
:
Es una obra de 1963, pintada sobre tela al óleo y pintura de polímero sintético.
Nos narra el drama de la chica luchando entre las olas y vemos sus pensamientos en un globo de dialogo al estilo de los libro de cómic tan populares en los EE UU a de principios de los sesenta .
Se considera que se encuentra dentro del movimiento artístico conocido como arte pop
Al observar detenidamente la imagen vemos que también nos recuerda " La gran ola" de Kanagawa
Lichtenstein reconoció que la ola es una adaptación de " La gran ola" de Kanagawa.
" Whaam" (1963)
Parodia el estereotipo de las historias de cómic de la Segunda Guerra Mundial, tan populares en la postguerra.
"'Whaam!' se basa en una imagen de 'All American Men of War ", publicado por DC Comics en 1962.
"A lo largo de la década de 1960, Lichtenstein se baso con frecuencia en fuentes de artel comercial como imágenes o anuncios cómicos, atraídos por la forma en que el materia altamente emocional podría representarse mediante técnicas independientes. Transferido a un contexto pintura, Lichtenstein podría presentar escenas cargadas de fuerza de una manera impersonal, dejando al espectador descifrar los significados por sí mismos. Aunque tuvo cuidado de mantener el carácter de su origen, Lichtenstein exploró también las cualidades formales de las imágenes y técnicas comerciales. En estas obras como en 'Whaam! ", se adaptó y desarrolló la composición original para producir una pintura intensamente estilizada. " TEXTO TATE MODERN
«Lo que le interesa es copiar modos mecánicos de reproducción: ni siquiera cuando pinta desnudos usa modelos, coge las figuras femeninas de cómicas y las desnuda, quiere pintar pinturas que parezca que están impresas o realizadas mecánicamente aunque, en realidad, siempre se ve la mano del autor» Tate Modern
En 1961 Lichtenstein empezará a usar una pantalla de metal hecha a mano y un rodillo de pintura para obtener el efecto de los puntos Benday.
Abandona el tema de los dibujos de Disney y empieza a utilizar la imaginería de la publicidad que evoca el consumismo y las tareas domésticas.
La obras las presenta en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco.
Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras.
"The Engagement Ring", "Girl with Ball" o "The Refrigerator" fueron parte de esta nueva colección en que comienza a transformar las fórmulas del cómic en un lenguaje pictórico.
"Girl with ball" (1961)
Óleo sobre lienzo
Lichtenstein tomó la imagen de la muchacha con la bola directamente desde un anuncio de un hotel. Transformó la imagen fotográfica, dándole la versión de un pintor de cómic.
La producción de obra colorista inspirada en las historietas del cómic durara tres años de su carrera, aunque su proyección sigue muy viva en la cultura popular de nuestros días.
"Golf ball" (1962)
" La mujer en el baño" 1963
Mujer en el baño, del Museo Thyssen-Bornemisza, fue pintada en 1963, inspirándose seguramente en alguna secuencia sacada de folletines amorosos.
El tema de la mujer en el baño,es frecuente en la historia del arte en forma de Baño de Venus, y fue una imagen habitual entre los artistas pop. La figura de la mujer, con los perfiles delimitados por unas gruesas líneas sobre fondo blanco, está pintada con un cromatismo elemental de colores primarios azul, amarillo y rojo, aplicados con los característicos puntos benday.
"Head with blue shadow" (1965)
En 1965 el interés por la sombra y la luz, que le llevó a esculpir cabezas de cerámica.
Sobre ello en 12967 decía:
“Siempre quise caracterizar a alguien como en un cómic. Iba a maquillar a una modelo con líneas negras alrededor de los labios, puntos en la cara y una peluca teñida de amarillo y negro. Estaba interesado en llevar los símbolos de las dos dimensiones a un objeto en tres dimensiones”.
La mujer protagonizo gran parte de la producción pictórica de Lichtenstein a mediados de los sesenta . Las representa en diferentes actitudes: unas veces como amas de casa, en ese papel que acepta sonrientes en un mundo dominado por los hombres; otras, como protagonistas de dramas pasionales en los que reflejan expresiones de ansiedad, nerviosismo y miedo. Con esa imagen no pretende más que reflejar plásticamente su necesidad de acercarse a un nuevo ideal:
«Las mujeres se pintan así; haciendo uso del verdadero maquillaje. Se ponen los labios de una cierta manera y peinan su pelo para parecerse a un cierto ideal».
El estudio de sus admirados Picasso, Matisse o Monet se traduce en aproximaciones artísticas que incorporan elementos del futurismo, el surrealismo o el impresionismo, sin abandonar esos puntos que se convirtieron en su enseña y que siguen presentes, aunque menos nítidos, en los desnudos que realizo en los años noventa, cuando recupera aquellas heroínas del cómic, aunque en una pose más sensual e incluso erótica.
En 1974 realiza los primeros trabajos influenciados por el Futurismo italiano. Entre 1971 y 1976 realiza serie de ‘Entablatures’, usando colores metálicos y mezclando la pintura con arena para destacar la textura superficial
El entablamento es un elemento arquitectónico que se coloca en posición horizontal por encima de las columnas de un edificio. Con origen en la arquitectura de la antigua Grecia. A pesar de la aparente referencia a la arquitectura griega antigua estas obras son muy personales y lo apartan de todo lo que hasta ese momento había
realizado.
En los setenta, los ochenta y los noventa se dejo influirpor el cubismo, el expresionismo y el surrealismo. Destacan la serie de pinturas basadas en obras de autores surrealista como Dalí, Ernst o Magritte.
La abstracción comenzó con ejemplos como Landscape with column (1965) o Yellow sky (1966). Continuó con las pinturas tipo mural de Figures in landscape (1977) y lo acompañó hasta el final de su vida con paisajes minimalistas, de influencia japonesa, como:
"Landscape in fog" (1996).
"Landscape with Boat" 1996
En estas litografías siguiendo la tradición china de la Dinastía Song hacer su propia composición y nos pinta un paisaje.
En Landscape with Boat, puedes ver un pequeño barco. Es muy conmovedor por la escala desproporcionada entre el mar y la figura. Por otro lado, esta imagen es de verdad bastante abstracta.
Por último hablar de la serie pincelada:
"Brushstroke" (Pincelada)
Es de 1996, realizada en aluminio y pintura.
Técnica: Soldadura
Brushstroke (Pincelada) es una escultura monumental que trata el tema del oficio de pintor, como el título indica, vinculada a la rerie de pinturas que Lichtenstein realizó en 1965 en referencia al Action Painting a través de la pincelada gestual que caracteriza al expresionismo abstracto.
A partir de los años ochenta, Lichtenstein adapta la temática del brochazo a las tres dimensiones mediante maquetas, esculturas de medio tamaño y formatos monumentales.
Mediante esta obra, erige un gran signo plástico que parodia, de forma irónica, un estilo pictórico caracterizado por la introspección, el subjetivismo y el gesto personal y espontáneo del pintor. En la escultura monumental este gesto queda desnudado, mecanizado y reducido a su mínima expresión como signo. Por otro lado, la obra documenta la tendencia monocroma, en contraste con el cromatismo asociado al arte pop, del último período productivo del artista.
.jpg)
