domingo, 31 de marzo de 2013

“TONDO DONI”. Miguel Ángel.



 Miguel Ángel. 1503 - 1505.
 Renacimiento. Galería Uffiz. Florencia
 Marco original, diseñado por el propio Miguel Ángel.


Encargado por Agnolo Doni, rico tejedor, para conmemorar su boda con Maddalena Strozzi , hija de una famosa familia de banqueros.



  Retratos pintados por Rafael Sanzio 

















 Su nombre es “La Sagrada Familia” pero se conoce como“ Tondo Doni " pues como observamos, es redondo, es un “tondo”, de aquí su sobrenombre. 


Técnica: 

Témpera y óleo sobre tabla . 

Al aplicar la técnica Miguel Ángel utilizo un procedimiento nuevo llamado" cangianti", siguiendo las enseñanzas de su etapa de aprendiz, que consiste en la aplicación de sucesivas capas de color más oscuros desde el lineado del dibujo hasta las capas de color más claras en las zonas de luz, consiguiendo un efectos más coloristas que el de los maestros flamencos; La escuela flamenca usaba la técnica opuesta, modelaban desde los tonos claros hasta los tonos más oscuros del pigmento. 

Comencemos analizando el tema que nos presenta Miguel Ángel:

Al observar el cuadro la primera impresión que causa, es la de estar ante tema religioso, sencillo, "la Sagrada Familia"; pero a medida que se observa vemos una serie de personajes que lo complican distribuidos en tres escenas dispuestas en sucesivos planos y un fondo de paisaje.

En la escena principal, en primer plano, la imagen de la Virgen María cogiendo o entregando el niño a José, de edad madura.

Al analizarla este conjunto nos encontramos:
Que la composición de la escena y las posturas de los tres personajes están condicionadas por la el formato redondo de la tabla.
Que a María la pinta ante José y el niño, en una postura anatómicamente complicada, sentada sobre un pequeño soporte que le obliga a tener las piernas semi cruzadas, según se adivinan de entre los pliegues angulosos admirablemente realizados y pegados al cuerpo dando sensación de volumen y profundidad a la obra. Con un libro sobre el regazo.


 

El niño, en actitud seria, en un segundo plano, en brazos de sus padres; José el tercero en importancia, importancia marcada en gran medida, por la luminosidad de la escena que se centra en las carnaciones de madre e hijo.


 


Con ello, como más tarde ampliaremos, consigue profundidad y volumen. 

En la segunda parte de la composición, en el segundo plano, un niño semi vestido, apoyado en un pequeño muro, dirige su mirada al niño de la escena principal. Lo podríamos identificas como San Juan.


 

 A continuación un plano posterior, unos “ignudi” en distintas posiciones, sentados, apoyados y de pie, en una construcción semicircular que cierra la escena.

Por último el paisaje, cuyo máximo interés reside en el difuminado de los contornos y la sensación recreada de profundidad por la percepción del azulado que preside las montañas y montículos que pueden verse en muy lejana disposición.


Es una pintura en la que observamos objetivos y logros de los pintores renacentista, como por ejemplo:

El representar la realidad tridimensional, consiguiendo mediante diversos recursos la ilusión de profundidad: superposición escenas, personajes, planos.., la posición de las piernas de la Virgen en escorzo, la colocación de los " ignudi" sentador, recostados o ante un muro semicircular que se contrapone a la forma circular de la obra,...


 

El análisis del cuerpo humano, que vemos en el estudio anatómico de los brazos de la Virgen, intentando sostener a su hijo en una postura casi imposible que contrasta con el relax de su rostro. Y en la interpretación del desnudo clasicista en los “ignudi”.
Los volúmenes y calidades conseguidos con los contrastes de luz y sombras. 
El movimiento que la posición “serpentinata” de la Virgen genera y las posturas de todos y cada uno de los personajes representados nos muestran. 
La complicidad y comunicación que se aprecia en la obra.

 ¿ Qué interpretación simbólica se puede dar? 

Desde el punto de vista simbólico lo podemos leer como la representación de etapas de la vida de los hombres:
  • Los " ignudi" representarían la civilización pagana anterior a la instauración de la ley divina. 
  • San Juan la era Mosaica
  • La Virgen y el niño la redención de la humanidad a través de la encarnación de Jesús 
  • El libro que tiene la Virgen en el regazo representaría a la Iglesia divulgadora de la palabra de Dios.


 ¿ Por qué el formato " tondo"?

En el Renacimiento la forma del "circulo" se identificaba con la perfección y con el matrimonio.
Es un formato que se viene utilizando desde la antigüedad tanto para camafeos como obras sobre tabla, piedra, barro...



 



Sobre la composición del "Tondo Doni" tenemos antecedentes en camafeos o Tondos donde Dionisos es alzado a la cúspide por Hércules . Ejemplo el "Sátiro" de Donatello.

 

 Satiro con il piccolo Dioniso. Donatello.
 Palazzo Medici Riccardi, cortile di Michelozzo o delle colonne, lato meridionale

En el encontramos una reproducción casi exacta de la tensión muscular que la Virgen del Tondo Doni manifiesta a la hora de recoger, o entregar, a su hijo.

Referencias sobre la obra:

Referecia la encontramos la obra de Gorgio Vasari , “Vida de los más grandes artistas" que nos dice:

 “Quiso Agnolo, (Doni) su amigo, ciudadano florentino, al que gustaba mucho tener cosas hermosas, antiguas como de artesanos modernos, tener cierta cosa de la mano de Miguel Ángel, estaba comenzando a pintar en un tondo a Nuestra Señora, que arrodillada, levanta en los brazos al niño para que José lo reciba. Donde Miguel Ángel introduce, en el giro de la cabeza de la madre de Cristo que sostiene los ojos fijos en la belleza suma del Hijo, su contento del maravilloso y el afecto con licencia del Santo anciano...”.

lunes, 11 de marzo de 2013

Los prerrafaelistas

A mediados del siglo XIX, en el comienzo de la " Era Victoriana" , tres jóvenes estudiantes de la Royal Academy , William Holman Hunt , John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti , fundan la "Hermandad Prerrafaelita".

Sobre los prerrafaelistas nos podemos hacer varias preguntas:

¿ Por qué se denominan "Prerrafaelista"?

La elección del nombre recuerda las criticas que el grupo hace al cuadro de Rafael, "La Transfiguración"



.


 Hunt decía de él que "debería ser condenado por su inmenso desprecio de la sencillez de la verdad, la pose pomposa de los apóstoles y la actitud, poco espiritual del Salvador". Y que ellos defendían una forma de arte, acorde con la que existía antes de Rafael, libre de cualquier amaneramiento académico.



 

 William Holman Hunt, Autorretrato, 1867

 ¿Qué es el movimiento Prerrafaelista, por qué nace? 


 Joaquín Yarza Luaces nos dice: "Coincidiendo con el fenómeno del realismo francés, un grupo de pintores jóvenes se reunía en 1848 en Londres animados por el propósito de renovar el panorama artístico inglés. Fueron conscientes de que para que se produjera un cambio era necesario dar la espalda a los géneros tradicionales, retrato y paisaj, y encarar los temas de actualidad y, más concretamente, los de contenido social. Temas que, paradójicamente, serían escogidos indistintamente de autores contemporáneos y de leyendas, de la literatura medieval, de Shakespeare e, incluso, de la Biblia, pero que tuvieron en común la posibilidad, más o menos evidente, de ser representados de un modo simbólico y moralizante. Este grupo de pintores, inspirados claramente en el grupo nazareno alemán, adoptarían la denominación de Pre Raphaelite " 


 Lo podemos definir como un grupo de pintores contestatarios y reticentes a las enseñanzas manieristas y clasicistas de las Academias nacionales de Artes, en lo que coincide con el grupo alemán Nazareno; al igual que ellos se agruparon en " cofradía" 






 Beata Beatrix Rossetti 1863 ; Tate Gallery, London.


Son pintores que quiere hacer una pintura libre de cualquier amaneramiento académico, inspirada en el arte medieval, y en los primitivos italianos, a los que consideran como modelo de pureza y de libertad.

Los objetivos de los miembros de esta hermandad son:

 • Expresar ideas auténticas y sinceras;

 • Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas;

• Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero, descartando todo lo convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria;

 • Y buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.


Como resultado tenemos una pintura sensible a las cuestiones sociales, con representaciones de la realidad sin ningún tipo de idealización ( lo que se les reprocha), que reproduce de forma exacta la naturaleza, y con claras referencias literarias, religiosas o poéticas. Utilizando un dibujo minucioso y colores intensos. No olvidar que son un movimiento de rechazo al trabajo en serie de la industrialización.


 


 "Ofelia" Millais.


La historia del prerrafaelismo, tal vez, no hubiera sido tan popular , de no ser por dos grandes figuras de la época:
Charles Dikens. Aunque su aportación sea tan solo anecdótica, consiguió convertir el trabajo de John Everett Millais, "Cristo en casa de sus padres"( se le reprocha el tratamiento trivial que da al tema sacros, sin ninguna idealización), en una obra polémica y "famosa" tras su de amoralidad y "medievalismo retrógrado".


.


Según Dickens, Milles, en esta pintura representa una Sagrada Familia a la manera de un grupo de alcohólicos de los barrios bajos, en poses ridículas y absurdamente medievales. Su crítica sirvió para que la opinión pública inglesa mostrara interés por dicha obra.

Pero quien aumento más la popularidad del grupo, gracias a su sus escritos, apoyo económico e intelectual , fue el crítico John Ruskins.
John Ruskin (1819-1900) exalta una visión profundamente moral del arte, al que otorga un protagonismo social. Sitúa la práctica artesanal por encima de cualquier reacción a la industrialización floreciente, y propone un concepto poético y místico de la natura. Teorías a las que se suman Hunt, Millais y Rossetti, sin reservas.


Como dijimos anteriormente, se habla de la hermandad prerrafaelita como un movimiento de respuesta contrario a la industrialización y con gran contenido social.


 ¿Dónde se encuentra la temática social en su obra?

Quizás en la evasión, proyectando una visión idealizada de un pasado, que hace reflexionar sobre valores que en la Inglaterra industrial se pierden a través del proceso que genera el capitalismo; recordemos que a mediados del XIX es el momento en el que nacen y se proyectan culturalmente los ideales marxistas; recordemos que 1848 año del nacimiento de la hermandad prerrafaelista, es el año de la publicación del manifiesto comunista, y que algunos de sus miembros, como William Morris aceptarán algunas formas de socialismo utópico en su concepción de la sociedad y en su planteamiento en las artes. 


"William Morris. Él fue quien ejemplificó, con su trabajo como editor, diseñador y activista político, la postura de reclamo de un arte manufacturado, ajeno a las creaciones en serie y su aplicación a las obras artísticas. Su seductora biografía nos llevaría a suponer que el soporte anímico de los prerrafaelistas, en el sentido más estricto de catalizar su programa en obras de distinta índole, se deben a este acomodado e imaginativo pintor,empresario y arquitecto que formalizó muchos de los ideales de sus compañeros en obras singulares, atraído por el medievalismo propugnado por Gabrielle Dante Rossetti. Una de sus pinturas (Guinevere Oil on canvas, 1857 Tate Gallery, London ) le convierte en uno de los innovadores en la conjugación de forma y color, creador de amplias zonas cromáticas que organizan el espacio en formas poligonales."

"


 La cofradía se disuelve rápidamente, sólo perduró hasta el año 1853, pero sus ideas siguen nutriendo la vanguardia inglesa, e influyendo hasta bien entrado el siglo XX.

 Miembros de la Hermandad Prerrafaelita:
 • John Everett Millais (pintor) 
 • Dante Gabriel Rossetti (pintor, poeta)
 • William Holman Hunt (pintor)
 • William Michael Rossetti (crítico)
 • Thomas Woolner (escultor, poeta)
 • James Collinson (pintor)
 • Frederic George Stephens (crítico)


 Artistas y personalidades relacionados con la Hermandad:
 • Ford Madox Brown (pintor, diseñador) 
 • Edward Burne-Jones (pintor, diseñador) 
 • Arthur Hughes (pintor) • Jane Morris (modelo)
 • William Morris (diseñador, arquitecto)
 • Christina Rossetti (poeta)
 • Elizabeth Siddal (pintora, poeta y modelo)
 • John William Waterhouse (pintor) 
• Thomas Cooper Gotch (pintor) 
 • Evelyn De Morgan (pintora)

lunes, 4 de marzo de 2013

Jean-Michel Basquiat.



Nace en Brooklyn, Nueva York, en diciembre de 1960, de padre haitiano y madre de ascendencia puertorriqueña, familia de clase media, a la que dejo con 15 años. Se crió en las calles Nueva York , donde inicia su actividad artística pintando graffitis que firma con el anagrama SAMO©, que significa "la misma vieja mierda", vende postales y camisetas pintadas a mano. 





 Pinto sobre muros , materiales recuperados ,lonas, en definitiva hacia bricolaje con materiales rescatados del entorno urbano.


.

Autodidacta , amante del jazz, poeta callejero y trabajador compulsivo a los 23 años era famoso, y había participado en 1980, con solo 19 años , en la exposición Times Square Show , atrayendo la atención de la crítica y prensa especializada. Al año siguiente, expuso en el P.S.1, donde su éxito fue considerable, y donde comenzó su amistad con una de las personalidades más famosas y controvertidas de la época, ANDY WARHOL

.

Warhol y Basquiat se admiraban mutuamente, y colaboraron en casi un centenar de obras.




Estilísticamente, su obra es complicada de explicar; se considera inspirada en múltiples referencias: la cultura del África primitiva, la música jazz , se ven referencias  de Picasso o Pollock, y de su   propia simbología e incluso quizás el abuso de la heroína. 






 Su carrera fue muy corta, moría a los 27 años víctima de una sobredosis. 





                                                " El Nilo"

 En esta pintura Basquiat relaciona la historia de los Estados Unidos con la del mundo antiguo egipcio .






 En esta, como es casi constante en sus obras, podemos ver figuras, palabras, palabras tachadas, símbolos, diseños y distintas áreas de fondo pintado, lo que sugiere que tomó ideas, imágenes, palabras, y colores y los unió, como si de un collage se tratase.



.