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A todos los que pasasteis por “Aula 23" gracias, suerte y que alcancéis todos los sueños .

Un abrazo.

" El gran masturbador" Salvador Dalí

“El gran masturbador”   1929.    Salvador Dalí.
Expresionismo figurativo.   Óleo sobre lienzo.   Museo Reina Sofía.   Madrid .

Estamos ante un paisaje onírico. Parece una zona árida, de la que apreciamos poca superficie al colocar la línea del horizonte muy baja. En primer plano y llenando casi todo el lienzo una gran forma amarilla (autorretrato de Dalí) con nariz, cejas y cabellos de la que surgen objetos y personas, entre las que destacan dos figuras humanas, el busto de una mujer con rasgos modernistas ante un cuerpo masculino cubierto por un calzón ceñido. En segundo plano y en tamaño mucho mas reducido a la izquierda una figura solitaria y en el centro una pareja abrazándose.

La composición es muy extraña, le falta el eje de simetría, pero esta equilibrada.

 Se interesa por la perspectiva tradicional, pero la línea del horizonte es muy baja.

En la obra es importante el dibujo, dibujo académico, un poco “relamido” que representa los objetos con exactitud y detallismo casi fotográfico, pero las formas están deformadas y las dimensiones podemos decir que no son reales.

El color y la luz son los del Mediterráneo. Vemos el azul fuerte del cielo,  tonos  rojos y todas las tonalidades de  amarillos, y  el negro aplicado para oscurecer los espacios en sombra que la luz va dejando al recorre el cuadro de derecha a izquierda. 

La obra pertenece al Surrealismo, movimiento de la vanguardia artística, que surge en 1924 tras el manifiesto de André Breton, en un principio movimiento literario que terminara afectando a todas las artes y que finalizara siendo un estilo de vida.

El tiene su precedente en el estilo Dadá por el uso constante de la provocación y por el deseo de liberar la imaginación y apártala de la guía de la razón.

 Otra obra de Dalí que podemos analizar de modo parecido: " La persistencia de la memoria"









Para conocer la vida y la obra de Salvador Dalí es interesante ver el documental de TVE 2

Retrato de Inocencio X. Velázquez.

“Retrato de Inocencio X de Diego Velázquez. Pintado en 1650, durante su segundo viaje a Roma.

Barroco español. Actualmente se encuentra en la Galería Doria Pamphili de Roma.
Óleo sobre lienzo.

Análisis:

 Al Papa lo retrata sentado y girado hacia su derecha consiguiendo con ello darnos sensación de espacio; revestido del rojo papal, desprovisto de afectación y sin hieratismo, sobre un fondo del mismo tono, algo novedoso en retratos, consiguiendo un tremendo efecto. En su mano izquierda sostiene un papel en el que aparece el nombre de Velázquez como autor de esta obra.

Inocencio X, es un hombre mayor, de unos 75 años, irresoluto y desconfiado, y eso es lo que capta Velázquez, que lo pinta con expresión tensa y  ceño fruncido, captando perfectamente la personalidad del retratado, sin nada de idealización; es un cuadro realista y psicológico.

 En el cuadro domina la gama de color rojo sobre rojo: sobre un cortinaje rojo (da teatralidad), resalta el sillón rojo, y sobre éste el ropaje del papa. Esta superposición de rojos no consigue quitar fuerza al rostro también en tonos rojizos y con una barba desmañada de acuerdo con la realidad.

Los ropajes están captados con realismo, realismo conseguido mediante la utilización de la luz, dándonos una calidad magnífica a pesar de utilizar una pincelada suelta.

Por la forma de componer el cuadro lo podemos relacionar con el retrato renacentista del Papa Julio II, de Rafael Sanzio, en la Nacional Gallery de Londres.

Podemos relacionarlo con la obra de Francis Bacon ( 1902-1992) “ Estudio según el retrato del Papa Inocencio X, realizado por Velázquez “ 1953.    Pintura Neo-figurativa.    Óleo sobre lienzo

 

Bacon en su interpretación imagina al Papa gritando tras unas veladuras que se interponen entre el espectador y el Papa. Aunque estéticamente se aleja de la obra de Velázquez, sorprende la similitud que se encuentra entre ambas, en lo que se refiere al uso cromático y captación psicológica del personaje.

¿Qué es la pintura Neo-figurativa?

Es un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, que surge como reacción al arte abstracto y caracterizado por la vuelta a la pintura figurativa frente a la abstracción, aunque los pintores tratan el tema de una manera informal, y de manera expresionista.

Francis Bacon uno de sus representante, y es uno de los artistas más sorprendentes del siglo XX.

Los personajes y escenas de sus obras no las toma de la realidad, sino los toma prestados de Velázquez ( el Papa Inocencio X), de Rembrandt (El buey desollado) o sencillamente de revistas o álbumes de fotos.

Es un pintor figurativo, pero de una figuración muy característica al presentar a sus personajes deformes, distorsionados, en nebulosa y solos, en un espacio frío que a veces pareciera una cámara de tortura, trasmitiendo al espectador tensión, violencia e inquietud.

Pero su pintura no deja e ser tradicional en la aplicación del óleo, la representación del ser humano, el uso de las transparencias, la profunda admiración por los grandes pintores…

Jackson Pollock. Análisis de una obra

 "Composición"  de Jackson Lollock de 1948.

Óleo sobre lienzo.   Expresionismo Abstracto. Washington

 Análisis:

Sobre el lienzo de gran dimensión observamos un conjunto de manchas y finas líneas que se superponen dando la sensación de que el cuadro no tiene limites al extenderse por todo el espacio de la tela, ( primero pintaba y luego recortaba el lienzo).

 Al analizarlo vemos que el artista utiliza una composición libre done prescinde de la perspectiva, y donde no existe un centro de atención, ni una quejerarquía.

Los trazos son enérgicos y rápidos, y las formas son grumos, siluetas, gotas…. Resultado del método de trabajo de Pollock, que consistía en escurrir o lanzar con fuerza grandes cantidades de pintura sobre el lienzo sin tensar, extendido en el suelo, técnica comúnmente denominada como dripping.

Distribuye los colores y las formas de modo espontáneo, sin programar lo que va a pintar, sino que improvisa plasmando en el lienzo lo que en ese momento siente, convirtiendo la pintura en una liberación del subconsciente. ( Pisaba por encima del cuadro para dejar las huellas)

En el lienzo los colores utilizados no interactúan entre ellos como era característico en la pintura.

Cuando pinta, Pollock, no utiliza las herramienta comunes a todo pintor, paleta, pinceles, espátula…sino que se decanta por los palos, cuchillos, el propio bote de pintura cuyo contenido derrama sobre el lienzo . Experimentó con muchos materiales como pigmentos sintéticos, acrílicos, barnices, aluminio y esmaltes, a lo que suma arena, cristales …

No trabajaba sobre el lienzo, si no metido en él

Se relacionó su arte con el "automatismo", como si su pintura tuviera que ver con los movimientos automáticos generados por los fenómenos psíquicos del artista.

 El expresionismo abstracto es un movimiento contemporáneo dentro de la abstracción pictórica, que apareció en los años '40 en los Estados Unidos, como arte financiado durante la Guerra Fría. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense

" Victoria de Samotracia"

La Victoria de Samotracia, se atribuye a Pithókritos. Arte griego, periodo helenístico, escuela de Rodas . Siglo II a.C. Museo del Louvre. París

Es una obra original, en bulto redondo, tallada en mármol, procedente del Santuario de Cabiros, en Samotracia.

Se trata de una Niké o Victoria, y nos la representan como una mujer con alas que acaba de posarse sobre la proa de un navío, mantiene las alas desplegadas y sus ropas se pegan al cuerpo por el viento marino.

Es una obra en la que observamos movimiento conseguido al descansa el peso de la figura sobre la pierna derecha mientras la izquierda va hacia atrás, moviéndola en una suave y larga ondulación. A lo que se sumar los infinitos pliegues del ligero vestido que fluyen y se pegan alrededor del cuerpo,  que no solo insinúan y realzan las bellas formas redondeadas , sino que aumentan la sensación de paños que vuelan.

 La composición es abierta, las líneas eje de la obra son las diagonales y curvas, que producen desequilibrio

 


De frente, la figura se retuerce y se abre en las dos largas curvas de las alas. Vista lateralmente, se observa una gran línea diagonal que enlazaría desde la pierna hasta la perdida cabeza.

El modelado de las formas está conseguido con gran expresividad. El artista ha sabido expresar a la perfección los efectos del azote del viento sobre el cuerpo de la diosa, con un estudio anatómico de gran habilidad técnica dándonos un preciso análisis de la anatomía femenina, que deja ver el ligero ropaje, de "paños mojados" adheridos al cuerpo.

El juego de la luz se acentúa en los plegados, creando violentos contrastes de luz y sombra y dándonos las diferentes texturas (telas, plumaje de las alas, etc).


En resumen la obra presenta las características del arte helenístico, último periodo de la escultura griega y que podemos resumir en:

• Complicación compositiva
• Ilusionismo escenográfico, grandiosidad y ruptura de la proporción clásica, realismo, ruptura del equilibrio
• Gusto por el movimiento, la tensión dramática, sensualidad y belleza
•  Habilidad técnica.

El autor se basa en modelos clásicos anteriores, percibiéndose la influencia de Fidias en la técnica de paños mojados, pero con más realismo.

 Fue encontrada en 1863, poco después del inicio de las excavaciones en el Santuario Samotracio

Se esculpió para conmemorar una batalla naval en que los rodenses vencieron a Antíoco III de Siria. Simboliza el triunfo.

La obra, una de las más bellas del mundo antiguo, se atribuye a Pithócritos, escultor poco conocido de la Escuela de Rodas, una de las principales de la etapa helenística (siglos III-II-I a.C).

De la Escuela de Rodas podemos destacar obras como el Coloso de Rodas, una de las siete maravillas de la Antigüedad, y Laocoonte y sus hijos y El toro Farnesio.