domingo, 27 de febrero de 2011

Leon Battista Alberti




Nace en Génova (1404), y muere en Roma (1472)

Es una de las figuras más representativas del ideal de hombre del Renacimiento, ya que reúne en su persona todos los conocimientos y habilidades de la época: humanista, escritor, matemático, tratadista filosófico, arquitecto, escultor, pintor, cortesano y hombre de mundo, además toma las órdenes menores y ejerce como funcionario de la administración pontificia.

Hijo natural de un mercader florentino, se educa en Padua y Bolonia.
En 1432 va a Roma para ocupar el cargo como funcionario en la corte pontificia. Su contacto con los monumentos de la Antigüedad clásica, le permite realizar el primer estudio sistemático de la Roma antigua, y de este análisis extrajo las leyes sobre las proporciones y la perspectiva que plasma en sus tratados dedicados a la pintura, la arquitectura y la escultura.


En 1434 regresa a Florencia, donde conoce y traba amistad con Brunelleschi, Donatello y Masaccio. A Brunelleschi le dedica precisamente su tratado “Della pintura “(1436), donde describen por primera vez las leyes de la perspectiva científica, además de dar una visión naturalista del arte de la pintura.

En Florencia, Alberti, trabaja como arquitecto para la familia Rucellai. Destacar el palacio Rucellai , en el que combina la geometría con la superposición de los órdenes clásicos, creando un modelo muy imitado de palacio renacentista.


Antes de continuar con la vida y obra de Alberti, un paréntesis para recordar las características del palacio renacentista y algunas particularidades y aportaciones del Palacio Rucellai






El mercader florentino Rucellai le encarga a Alberti el proyecto de su palacio en 1446, pero las obras se realizan bajo la dirección técnica de Bernardo Rosellino , discípulo de Alberti en quién delegó. Se terminaron hacia 1455.

Alberti, diseñó el palacio respetando los cánones que él mismo había descrito en el manual “De Re Aedificatoria”; El resultado fue un edificio renacentista típico por la sobriedad y armonía de las proporciones.

Es un palacio urbano, el tipo de vivienda de la rica aristocracia financiera y comercial de Italia desde el siglo XIII
Sigue la estructura de todo palacio renacentista:

Edificio de tres plantas estructurado en torno a un patio central porticado, que sirve como patio de luces y de acceso a las distintas dependencias de la construcción.
Construido en bloque de piedra almohadillado; el almohadillado y la solidez de de la planta baja, con estrechos vanos dintelados, manifiestan el poder de los dueños.

La planta baja, se utiliza para atender a los clientes, comerciantes y visitantes. También integra los almacenes, las cocinas, y los establos. Las puertas son varias para permitir la entrada y salida a carruajes, animales y peatones.

El primer piso es el lugar de residencia de la familia. De ahí que deba estar más engalanado externa e internamente, que el resto de las plantas.
El piso superior suele ser el de los dormitorios y el de las habitaciones de invitados y sirvientes.
Remata el edificio un alerón sobresaliente que cumple las funciones de cerrar la composición de la fachada en sentido horizontal y de alejar el agua de lluvia del paramento.





Las aportaciones estéticas que presenta el palacio, las encontramos principalmente en la fachada.
Alberti diseña tres pisos separados por entablamentos que generan una serie de franjas horizontales sometidas a la tensión de las pilastras verticales.
Para evitar la excesiva monotonía de los pisos superpone los órdenes clásicos: en la planta baja utiliza orden toscano, en el piso principal el orden jónico, y en el superior el corintio. Lo que denota la influencia del Coliseo o del Teatro de Marcelo.

La combinación de pilastra, entablamento y arco de medio punto de los pisos superiores también está inspirado en los edificios romanos y serán retomado por los arquitectos manieristas en el siglo XVI.
El muro presenta un suave almohadillado, técnica que consiste en resaltar los sillares rebajando sus bordes, como se hacía también en edificios de ingeniería romanos como los acueductos y los puentes.
Las ventanas son geminadas y se inscriben en arcos de medio punto.
La prioridad del piso central es reforzada por la colocación de los escudos de la familia Rucellai sobre algunas de las ventanas








Siguiendo con la obra de Alberti recordar que en Florencia realizo la fachada de la iglesia gótica de Santa Maria Novella, en la que unió el característico taraceado de mármoles toscano a la sugestión de las figuras geométricas.
En Roma, adonde se trasladó por deseo expreso del papa Nicolás V, redactó “De re aedificatoria”, un completo tratado de arquitectura tanto en aspectos teóricos como prácticos.




Posteriormente se desplazó a Rímini, donde construyó el Templo Malatestiano.






En Mantua, construyo las iglesias de San Sebastián y San Andrés. Estas obras, que constituyen la síntesis de sus criterios arquitectónicos, se convirtieron, junto con las de Brunelleschi, en los grandes modelos del arte constructivo renacentista.
San Andrés de Mantua se lo encarga hacia 1470 la familia de los Gonzagagobernantes de Mantua





San Andrés de Mantua (1472-1494) es un edificio de planta de cruz latina, con una sola nave, con enormes capillas laterales entre los contrafuertes, y un inmenso transepto. El interior está inspirado en la basílica de Majencio. La nave se cubre con bóveda de cañón con casetones. El transepto está cubierto con una enorme cúpula sobre pechinas.






La fachada del edifico se dispone sobre un podio; la estructura es todo un ejercicio de eclecticismo al utilizar un esquema de arco de triunfo rematado con una inopinada bóveda de cañón. Esto es así debido a que la nave de la iglesia es más alta que la fachada. En la fachada del edificio se conjugan dos esquemas: la fachada de un templo romano y la estructura de un arco de triunfo.



Quizás el elemento más importante, son las pilastras que unifican toda la fachada.









En resumen se puede decir que San Andrés es quizás el exponente más claro de su interés por la arquitectura grecorromana, al mostrarnos elementos propios del arte romano, tales como el orden gigante, el podium o la concepción de la fachada como si de un arco de triunfo se tratase.





Para finalizar decir que también escribió un tratado sobre la escultura “De statua” y algunas obras de perspectiva y matemáticas.




Si queréis hacer una visita virtual a la Iglesia de San Andrés de Mantua pinchar en el enlace:

http://web.williams.edu/art/architectureVR/santAndreaMantova/

jueves, 17 de febrero de 2011

SAntiago de Compostela. Repaso

Tarea:
  • Repasamos el románico y estudiamos la Catedral de Santiago.
    • Venos y estúdianos las presentaciones y respondemos las preguntas.






martes, 15 de febrero de 2011

water colour e la Tate Britain

Una exposición de acuarela se abre mañana ,16 de febrero, en la Tate Britain.

A los que os guste técnica de la acuarela, la podréis ver el sábado, lo único malo es que la entrada no es gratuita, cuesta cinco libras.
Cuelgo el correo que he recibido sobre la exposición , y que cada uno decida.




“ Acuarela en la Tate Britain te invita a desafiar tus ideas preconcebidas de lo que es la acuarela.

Es la exposición más ambiciosa sobre la acuarela que nunca se ha realizado, con obras que abarcan 800 años. Desde manuscritos, como un manuscrito iluminado del siglo 13, hasta miniaturas, mapas, a través de los cuales se muestran el esplendor expresivo visual de los paisajes extranjeros. La acuarela siempre ha desempeñado un papel importante en Arte Británico.
Acuarela también ofrece la oportunidad de ver obras que aparecen rara vez en toda su gloria luminosa, de artistas que van desde JMW Turner y Girtin Thomas a Anish Kapoor y Tracey Emin.




La exposición presenta una evolución completa y fresca sobre la historia y el futuro de la pintura de acuarela. Su objetivo es cuestionar nuestras ideas sobre lo que significa la acuarela, y la presentación de trabajos secundarios conocidos y los menos conocidos al lado del otro y llevar este arte popular, universal y duradero de vuelta al centro de nuestro patrimonio cultural.”

lunes, 14 de febrero de 2011

Victoria & Almert Museum

Fundado en 1852, por el Príncipe Alberto, marido de la Reina Victoria, con la finalidad de mostrar lo mejor del arte y diseño de todo el mundo, e incentivar a artesanos, impresores, diseñadores, industriales y pintores ingleses a aceptar el reto y mejorar sus producciones.

El inicio de las obras expuestas son los fondos procedentes de la Gran Exposición de 1851, ampliados por sucesivas compras y donaciones.

Es uno de los museos más importantes del mundo que combina arte y diseño. En sus 150 salas pueden encontrarse innumerables artefactos de todas las culturas, desde la prehistoria hasta nuestros días.





Nos podemos encontrar desde la alfombra más antigua del mundo hasta pinturas de Rafael, esculturas de Rodin algunas tan famosas como 'La Edad de Bronce', o las 'Tres Gracias' de Antonio Canova (1757-1822).



También están los cartones de Rafael Sanzio para los tapices de la Capilla Sextina; el artista italiano trabajo durante dos años en está serie de pinturas sobre pasajes de la historia de san Pedro y san Pablo, por encargo de León X.




Podremos ver relicarios y libros de horas medievales, esculturas góticas, estatuas funerarias o retablos renacentistas, y algo mucho más moderno como es un tutú de la famosa bailarina Margot Fonteyn.
Destacan también sus colecciones de textiles, los más antiguos son unos paneles de lino egipcios datados en el año 3150 antes de Cristo, y su colección de muebles, como un armario victoriano diseñado por Thomas Hopper y que perteneció un tiempo a Mick Jagger.

El Victoria & Albert fue además el primer museo del mundo en recopilar fotografías como obra de arte, de las que destaca, por su antigüedad, un daguerrotipo de 1839 que muestra una vista desde la plaza de Trafalgar antes de que se erigiese la columna de Nelson.




Entre las salas que más llaman la atención de los visitantes están las que albergan reproducciones de monumentos célebres, como la columna de Trajano, cuyos 35,6 metros son demasiados altos para las galerías, por lo que se exhibe partida en dos. También hay réplicas tridimensionales del David de Miguel Ángel, el púlpito de la catedral de Pisa de Giovanni Pisano y el Pórtico de la Gloria, de la catedral de Santiago de Compostela.

martes, 8 de febrero de 2011

St.Margaret


La Iglesia de Santa Margarita es una iglesia anglicana.
Fundada en el siglo 12 por los monjes benedictinos , para la gente que vivía en los alrededores de la Abadía de Westminster
Del edificio primitivo hoy no queda prácticamente nada, pues fue enteramente reconstruido entre 1482 y 1523, y restaurado durante el s. XIX en estilo gótico perpendicular.



La fachada, precedida por un pórtico, está calada por tres amplios vanos con vidrieras y tiene adosada una torre campanario de planta cuadrada .


El interior de tres naves, separadas por pilares poligonales, está abierto al exterior por amplios ventanales con vidrieras.

De todo el conjunto de vidrieras, pocas son originales, pues fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial.

En el ábside destaca la vidriera de la crucifixión, realizada en Amberes en estilo flamenco hacia 1509, para conmemorar los esponsales de Catalina de Aragón a Enrique VIII



St Margaret es conocida como la iglesia de la Cámara de los Comunes, ya que de acuerdo con una tradición de 1614 cada Domingo de Ramos los diputados se reunen aquí para recibir la comunión.
Está dedicado a Margarita de Antioquia.




lunes, 7 de febrero de 2011

Brithish Museum

El Museo Británico es el museo de historia y cultura de Inglaterra.
Fue fundado en el año 1753, y no fue abierto al público hasta enero de 1759.
Su primera sede estuvo en la mansión Montague que se quedó pequeña en 1852, iniciándose la construcción de un nuevo edificio de estilo neoclásico diseñado por Robert Smirke.

La fachada principal esta presidida por un pórtico jónico, al igual que las dos alas del edificio que lo enmarcan , que está coronado por un frontón, con tímpano decorado con relieves alegóricos.




La última ampliación es el Gran Atrio de la Reina Isabel II, inaugurado en el 2000, está diseñado por el estudio del arquitecto Norman Foster, y se ubica en el centro del museo.



El Gran Atrio se ha convertido en la mayor plaza cubierta de Europa. El techo del atrio es de cristal y acero, y está compuesto por 1.656 pares de cristal y en él se ubicada la sala de lectura.





El Museo Británico es, ante todo, un museo de antigüedades, sobre todo desde que por problemas de espacio ya no contiene las colecciones de ciencias naturales, ni la Biblioteca Británica. Además, su colección de pintura es bastante escasa. Esto lo distingue de otros museos como el Louvre, el Metropolitan de Nueva York o el Hermitage de San Petersburgo, considerados museos universales de arte y cultura.

Base de la colección del museo fue la donación del médico y científico, Sir Hans Sloan, que incluía unos 40 mil libros, 7 mil manuscritos, imprentas de Alberto Durero y muchas antigüedades de Egipto, Grecia, Oriente Lejano y Cercano y de América.

En la actualidad el Museo Británico posee más de seis millones de objetos que cubren la historia de la cultura humana desde sus orígenes hasta la actualidad. Muchos ellos no están expuestos sino que se conservan en un subterráneo, ya que el museo no dispone de suficiente espacio.

Posee grandes colecciones etnográficas, con más de 350.000 objetos, representativas de las culturas de pueblos indígenas : África, Asia, Oriente Medio, Europa Oriental, Oceanía y América.
También cuenta con pinturas y porcelana chinas y un gran conjunto de cerámica islámica.

Grandes colecciones de obras del antiguo Egipto, piezas de Nubia y Sudán, de la cultura mesopotámica, persa, de la Grecia Clásica, y de Roma
Completa el conjunto una de las mejores colecciones mundiales de grabado y dibujo


Imposible verlo y analizarlo todo en una visita, por lo que recomiendo:


Salas egipcias:



Donde veremos escultura y decoración de toda la historia faraónica, a menudo con inscripciones de jeroglíficos.
Veremos los aspectos de la cultura funeraria del antiguo Egipto en los ataúdes, momias, joyería y otros objetos funerarios.

















La decoración de el ataúd de Djedhoriufankh, pintado en blanco, rojo, verde, azul y sobre el fondo amarillo, es típica.

La etiquetas de jeroglíficos se colocan sobre un fondo blanco para que destaque.

Uno de los temas es la ofrenda del fallecido a varias deidades, en este caso, incluyendo varias formas del dios sol.

Otro motivo común para las escenas es la resurrección, simbolizado por escarabajos alados y discos alados.





La Piedra de Rosetta, importante por ser la pieza clave para descifrar los jeroglíficos de los antiguos egipcios.


Es una estela de granito negro, con tres formas de escritura: jeroglífica, demótica y griego uncial (con letras mayúsculas); contiene noventa y dos renglones, los catorce primeros escritos con signos jeroglíficos, los siguientes 32 en caracteres demóticos, y los últimos 54 en griego; tiene algo más de un metro de alto, 72 cm de ancho y 27 cm de grosor; pesa 756 kg




Grecia:


Destacar los Mármoles de Elgin, que es el nombre popular con el que se conoce a una extensa colección de mármoles procedentes del Partenón griego.
La colección llegó a Gran Bretaña entre 1801 y 1805 de manos del conde de Elgin, oficial británico residente en la Atenas otomana, quien ordenó que se retiraran las piezas del Partenón y trasladarlas a Londres. Desde 1939, los mármoles se exponen en el Museo











Arte del cercano Oriente.


Con bajorrelieves de los palacios asirios, y bellos elementos de Irán y Mesopotámica








Colección de obras de Alberto Durero.

Muchos de sus grabados se encuentran en el Museo Británico, siendo el más importante el del Rinoceronte, hecho en 1515




También podremos ver dibujos de Miguel Ángel, de Rembrandt, de Goya



En las salas destinadas a Roma, destacar la Vasija de Portland.


Es vaso romano de vidrio y porcelana del siglo I.
Tiene una altura de unos de 26 centímetros y un diámetro de 56 cm.

Fabricada en cristal azul violáceo, se encuentra envuelta por un camafeo de cristal blanco, encarnando misteriosas escenas de dioses y humanos. En una de ellas, cuenta la historia del emperador Augusto y el dios Apolo, mientras que al otro lado la vasija, se representa el sueño premonitorio de Hécuba acerca de la destrucción de Troy



Además podremos ver:

Bronces de BeninSutton Hoo
Huellas de Buda, esculturas procedentes de Asia.
Tablillas de arcilla de la Biblioteca de Asurbanipal.
Calavera de cristal, aunque inicialmente se la catalogó como una pieza azteca, actualmente se la considera una falsificación, posiblemente de factura europea del siglo XIX.





Por ultimo una completa presentación sobre el museo


sábado, 5 de febrero de 2011

Joseph Mallord William Turner


Pronto tendremos la suerte de visitar la Nacional Gallery y la Tate Britain, en Londres. En ambas galerías recomiendo que os detengáis en las obras de William Turner. Hasta entonces leer y completar estas breves notas sobre el autor y su obra.



Joseph Mallord William Turner nació en Covent Garden, Londres en 1775 y murió en 1851.
Junto a John Constable ( 1776-1837) son dos grandes paisajistas ingleses

Pintores del romanticismo ingles.



Turne domina la técnica del óleo, pero destaco en acuarela, técnica que le permite pintar con rapidez y reflejar las distintas condiciones lumínicas.
Es de los primeros pintores que abandona su taller y pinta al aire libre, anunciando la proximidad del Impresionismo.




Su tema preferido son los paisajes donde capta el poder de la Naturaleza: fuegos, catástrofes, hundimientos, violencia del mar.
Paisajes en los que el objetivo principal es el estudio de la luz, luz dorada en muchas ocasiones, (quizás influenciado por los pintores venecianos), luz tomada del natural que no se refleja en los objetos, si no que penetra en ellos y los deshace.
Si repasamos su obra vemos su interés por el comportamiento de la luz en los distintos fenómenos atmosféricos





Unas pinceladas sobre su vida e influencias artísticas tomadas de la ficha que sobre Turner publica www.artehistoria.com




"Joseph Mallord William Turner nació el 23 de abril de 1775 en Londres. Su padre era barbero y fabricante de pelucas mientras que su madre se dedicaba a las labores del hogar.
A los once años empezó a acudir a la escuela y a colorear grabados. En 1788 a trabajar para un arquitecto especialista en acuarelas; su preocupación por el modelo real y la observación serán las líneas maestras de esta fase de aprendizaje. En esta etapa realiza varios viajes por tierras inglesas, obteniendo interesantes estudios que posteriormente le servirán de bocetos para sus obras.

A los 20 años William empieza a trabajar al óleo mientras recibía las primeras críticas por sus acuarelas. En estos momentos también llegan los primeros encargos; debe pintar vistas de la campiña inglesa viéndose obligado a realizar continuos viajes para tomar bocetos y dibujos. Estos encargos de los nobles y aristócratas londinenses le van a permitir amasar una pequeña fortuna. Sus fuentes de inspiración estarán en la pintura de Rembrandt -de quien captará los contrastes luz/sombra-, Poussin, Claudio de Lorena y Dughet, pintores de los que obtendrá la sobriedad clásica que podemos contemplar en sus trabajos definitivos.

En 1802 Turner viaja a Suiza pasando el otoño en París. En la capital francesa conocerá personalmente a Jacques-Louis David y visitará el Louvre donde tuvo la oportunidad de copiar a Tiziano, Rafael, Rubens y Rembrandt. El color como medio de expresión será su objetivo más inmediato en estos momentos por lo que buscó su inspiración en el museo francés.


Desde 1807 Turner se interesa especialmente por el color y por el empleo de fondos blancos para los cielos y el agua, otorgando así mayor luminosidad a los tonos claros. Esta nueva fórmula la podemos apreciar en Pescador saludando a un mercante. Algunas obras de las realizadas en estos momentos están tomadas directamente al óleo del natural, algo bastante extraño en Turner que prefería el lápiz o la acuarela para los apuntes, observándose aquí una clara influencia de John Constable.

En 1819 realiza su primer viaje a Italia ya que se le encargarían algunas acuarelas para ilustrar un libro. Pasó por Turín, Milán, Venecia, Roma y Nápoles, dedicándose a copiar obras de algunos maestros clásicos, especialmente Tintoretto
.


En la década de 1820 en el pintor preferido del gran público, de la aristocracia e incluso de la realeza. Sus paisajes son admirados por todos. El maestro se interesa en estos momentos especialmente por los efectos atmosféricos, la luz y el color, llegando a decir algún crítico de él que "Hay un pintor que tiene la manía de pintar atmósferas".

La estancia en Italia se va a repetir en 1828, pasando esta vez por París, Avignon, Florencia y Roma. Pintó asiduamente e incluso organizó una pequeña exposición en la Ciudad Papal cosechando un gran éxito de público, aunque no de la crítica. En febrero de 1829 Turner está de nuevo en Londres para realizar el Ulises, obra en la que emplea colores claros y luminosos gracias al estudio de las obras italianas del Renacimiento: Leonardo, Rafael, Miguel Angel, Correggio, ... Este mismo año de 1829 fallecía el padre del maestro.

A lo largo de 1831 Turner va a viajar por Escocia para contactar con su buen amigo Walter Scott a quien el pintor iba a ilustrar un libro de poesía. Al año siguiente se trasladará a París donde conocerá a Delacroix. Durante el verano de 1833 regresará a Venecia, una de las ciudades que le cautivará, realizando desde este momento un elevado número de escenas protagonizadas por la Ciudad de los Canales.


En 1840 visitará por tercera y última vez Venecia, sintiéndose atraído por sus atmósferas
.
A partir de 1845 abandona su contacto con la naturaleza por lo que será duramente criticado, siendo sus cuadros cada vez más caóticos llegando incluso a tener que clavar un clavo en el marco para que se supiese cuál era la parte de arriba al enviarlos a las exposiciones.

En su testamento legaba a la nación inglesa sus cuadros finalizados, con la condición de que se construyese un museo Turner para albergar esta colección, en el plazo de diez años tras su fallecimiento. De lo contrario, los cuadros deberían ser vendidos. No se construyó el museo ni se vendieron los cuadros y tras más de un siglo de indecisiones, el legado Turner -constituido por lo que había en su estudio tras su muerte: 320 óleos y más de 19.000 acuarelas y esbozos- se ha recopilado en un edificio anexo a la Tate Gallery, la llamada Clore Gallery, que fue inaugurado por la reina Isabel II en abril de 1987."

miércoles, 2 de febrero de 2011

Catedral de St. Paul´s



La actual Catedral de San Pablo es la quinta iglesia construida en el mismo lugar desde su fundación. Fue diseñada por uno de los arquitectos más importantes de Londres, Christopher Wren.
Se empezó a construir en 1675 sobre las ruinas de una antigua catedral gotica destruida en el incendio en 1666 y se finaliza en 1710 .





Edificio de planta de cruz latina, con tres naves en el tramo principal y en el transepto, presenta en el crucero una gran cúpula sobre pechinas, y cabecera con tres naves y ábside.

Las características del edificio son fácil de distinguir al observar la fotografía aérea



Se pueden ver claramente los tres bloques que la forman: la nave, cúpula, el transepto.



La cúpula descansa sobre ocho arcos, hasta donde se alzan las columnas corintias.

Es el espacio principal de la catedral, y se eleva 108,4 metros de altura. Esta inspirada en la Basílica de San Pedro en Roma.

Su interior está decorada con frescos por Sir James Thornhill, el pintor más importante del tiempo de Arquitecto Wren








La fachada occidental ( primera foto) presenta un pórtico de dos plantas integrado por pares de columnas corintias, armonizando con las pilastras emparejadas que se repiten en toda la estructura perimetral del edificio. Dicho pórtico se remata con un frontón triangular y está enmarcado por dos torres que se elevan hasta 63 metros, añadidas en 1708.